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<div style="position:absolute; left:-9999px; top:-9999px;" class="sound_only"><div align='center'>서울시발레단 더블빌 크리스티안 슈푹 ‘죽음과 소녀’ [세종문화회관 제공]

[헤럴드경제=고승희 기자] 날카로운 바이올린의 찰현음이 단숨에 공기를 가르면, 비올라와 첼로의 어두운 저음이 바닥을 낮게 긁는다. 네 대의 현악기가 자아내는 슈베르트는 서늘하고 비장하다. 병마와 정신적 고통의 절정에서 써 내려간 현악 4중주 제14번 단조 ‘죽음과 소녀(Der Tod und das Mädchen)’. 맹렬히 몰아치는 프레스토(Presto)의 리듬, 2악장의 절제된 안단테는 죽음을 향한 소녀의 두려움과 그를 안식으로 이끄는 ‘죽음의 신’ 사이의 절박한 대화를 불러낸다.

콰르텟21의 바이올리니스트 김덕우는 이 작품을 가리켜 “테크닉적으로도, 감정적으로도 현악4중주로 연주할 수 있는 가장 어려운 곡 중 하나”라고 고백했다.

연주자들에게 압박의 대상이었던 명곡이 무대 위에서 두 안무가를 만나 완벽히 다른 신체 언어로 분열한다. 크리스티안 슈푹의 ‘일곱 번째 파랑(Das siebte Blau)’과 알렉산더 에크만의 ‘선인장(Cacti)’이다. 서울시발레단은 창단 2주년을 맞아 더블 빌(14~16일까지, 국립극장)로 묶인 무대다.

김덕우와 그가 속한 콰르텟21은 이번 무대에서 ‘일곱 번째 파랑’을 라이브로 연주한다. 그는 “연주할 때마다 늘 ‘너무 어렵다, 어둡다’는 생각이 먼저 들었는데 이번 작업을 하면서 음악을 단지 귀로 듣는 것이 아니라 무용수들의 움직임과 오감으로 다양하게 표현할 수 있다는 걸 깨달았다”며 “연주하며 조금 빨라지거나 늦어질 수도 있는데, 그게 무용수들의 안무와 실시간으로 연결돼 말이나 대화 없이도 예술적으로 깊이 교감할 수 있다는 걸 느꼈다”고 했다. 그는 무엇보다 “어둠 이면에 슈베르트의 밝은 생명력이 느껴져 마치 슈베르트가 살아 숨 쉬고 있는 것 같았다”고 했다.

같은 악보를 두고, 두 거장은 전혀 다른 질문과 메시지를 던진다
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크리스티안 슈푹 [세종문화회관 제공]

슈푹 “죽음을 통해 삶을 포용하는 시”

슈푹에게 ‘죽음과 소녀’는 유년의 기억에 각인된 원초적 경험이다. 그가 이 곡을 처음 만난 건 8~9세쯤이었다.

“덴마크 휴가지에서 라디오로 처음 들었어요. 당시엔 이해하지 못했지만 이상하게도 제 삶으로 계속 들아왔어요. 언젠가 이 음악으로 안무를 만들어야겠다고 결심했죠. 음악을 깊이 존중하는 만큼 안무 역시 음악 자체에서 온전히 태어나길 바랐습니다.”

2000년 독일 슈투트가르트 발레단에서 초연된 ‘일곱 번째 파랑’은 죽음에 대한 명상을 담아낸 작품이다. 슈푹은 무대를 통해 죽음에 대한 시적 승화와 함께 삶에 대한 긍정을 말한다. 그는 마티아스 클라우디우스의 시를 바탕으로 죽음을 공포가 아닌 따뜻한 포용으로 바라봤다.

슈푹은 “서양 문화에서 죽음은 대개 무섭고 두려운 것으로 묘사되지만, 이 작품의 바탕이 된 시는 죽음을 아름답고 감각적이며 우리를 감싸 안아주는 존재로 표현한다“며 “우리 모두에게 각자의 시간이 있고 언젠가는 그것을 내려놓는 법을 배워야 한다는 것을 이해하는 과정”이라고 했다.

서울시발레단 더블빌 크리스티안 슈푹 ‘죽음과 소녀’ [세종문화회관 제공]

그러면서 그는 “그것은 가슴 뭉클하면서도 매우 아름다운 일이고, 우리가 온전히 받아들여야 할 삶의 모습”이라고 강조했다.

작품엔 7쌍의 남녀 무용수가 등장한다. 작품을 올리기 전 제목을 고민하던 그는 7쌍의 무용수, 좋아하는 색깔을 결합해 ‘직관적’ 제목을 붙였다. 세월을 거듭하며 작품명은 상징성을 안게 됐다.

슈푹은 “유럽에서 7은 특별한 숫자이며, 파랑은 하늘이나 바다처럼 무언가가 멀어지고 사라져가는 ‘거리감’을 의미한다”며 “두 이미지가 결합해 이 세계를 떠나 다른 곳으로 건너가는 아름다운 모습을 상징하게 됐다”고 설명했다
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. 그의 어머니는 초연을 본 뒤 “크리스티안, 너는 발레를 만든 게 아니라 한 편의 아름다운 시를 썼구나”라는 말을 남기기도 했다.

26년 전 작품을 서울시발레단과 함께 작업하며 그는 “다른 발레단에 작품을 주는 것은 늘 새로운 대화를 시작하는 일”이라고 말한다. “오래전에 나온 작품이나 안무가 박물관에 박제되는 것은 흥미롭지 않다”는 슈푹은 “단원들의 개성에 맞춰 안무를 끊임없이 호흡하겠다”고 했다.

알렉산더 에크만 [세종문화회관 제공]

에크만 “죽음의 서사보다 긴박감…정답 강요하는 권위 비틀어”

알렉산더 에크만의 ‘선인장’은 슈베르트의 서사를 몸으로 옮기지 않는다. 그는 완전히 다른 곳에서 이 음악을 요리한다.

에크만은 “슈베르트의 서사나 죽음이 무엇을 의미하는지에 대해 안무적으로 설명하려 한 것이 아니다”며 “이 음악에서 내가 들은 것은 긴박감이었다. 시간과 규율, 자기 자신보다 더 큰 무언가에 의해 몸이 앞으로 밀려가는 감각, 특히 4악장 프레스토(Presto)가 가진 속도감과 압박감에 매료됐다”고 말했다.

에크만의 ‘선인장’이 세상에 나왔을 때 평단은 떠들썩했다. 그는 이 작품에 통해 예술 비평의 권위주의와 정답을 규정하려는 인간의 강박에 대한 해학적 풍자를 담았다. 20대 시절, 수많은 사람이 몇 달간 땀 흘려 만든 작품을 단 한 명의 평론가가 하룻밤 사이에 ‘품평’하는 관례에서 받은 상처가 도화선이 됐다.

그는 “2010년 당시 소수의 평론가가 작품을 평가하고 그 의미를 결정해 버리는 집중된 권력에 상처를 입었다”며 “‘선인장’은 그런 취약함에서 출발했고, 예술을 둘러싼 시스템과 나를 포함해 모두를 웃어넘기고 싶다는 마음에서 시작됐다”고 했다.

10여년의 세월이 지났지만 예술을 둘러싼 시스템은 여전하다
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. 과거 평론가들의 몫이었던 비평의 권력은 AI(인공지능) 알고리즘과 대중으로 분산되고 확산했다. 에크만은 “작품이 몸에 스며들기도 전에 숏폼 영상, 별。, 짧은 평으로 축소되는 지금, 이 작품은 더 유효하다”며 “왜 우리는 무언가의 의미를 그렇게 서둘러 규정하려 할까. 관객은 시험을 치르듯 정답을 찾아내지 않아도 된다”고 강조했다.

무대 위 16명의 무용수가 살아있는 ‘선인장’을 신성한 물건처럼 받드는 모습은 의미를 찾아 헤매는 관객을 비추는 거울이다. 에크만은 “선인장은 관객을 바보로 만들기 위한 함정이 아니라 거울(Mirror)에 가깝다”며 “어느 순간 공식적인 의미를 찾고 있는 자신을 발견하고, 그런 욕구를 향해 웃음을 터뜨리게 만드는 장치”라고 밝혔다.

유머를 만드는 연출 방식 또한 철저히 역설적이다. 그는 “무용수들이 웃기려고 해선 안 된다”며 “유머는 철저한 진지함에서 나온다. 무용수가 자신이 농담을 이해하고 있다는 것을 관객에게 보여주는 순간 그 농담은 사라져 버린다”고 강조했다.

알렉산더 에크만 ‘선인장’ [세종문화회관 제공]

슈푹에게 슈베르트는 유한한 삶의 시간을 겸허히 받아들이고 축복하게 만드는 서정적 관조이며, 에크만에게 슈베르트는 신체를 한계까지 몰아붙이며 정답 강요의 위선을 깨뜨리는 유쾌한 에너지다.

두 작품에 모두 출연하는 서울시발레단 시즌 무용수 이유범은 “‘일곱 번째 파랑’은 빠른 안무와 음악 속에서 섬세함과 기본기, 디테일을 다시 되짚어보게 하는 작품인 반면, ‘선인장’은 큰 틀과 순서 안에서 즉흥적인 요소와 오브제를 활용해 제 색깔대로 자유롭게 표현하는 재미가 있다”고 말했다.

슈푹은 서울시발레단 단원들에 대해 “한국 무용수들은 엄격한 규율과 맹렬한 연습량을 갖춘 동시에 무대 위 감정 표현 능력이 매우 뛰어나다”며 “특히 작년 오디션 때 단원들이 지시를 그냥 받아들이지 않고 의심하며 질문을 던지는 모습이 대단히 인상적이었다”고 했다.
장)로 묶인 무대다</div></div>